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Artículos de: agosto 2013

Inicio » Articulos con las etiquetas ‘Pintura

HEMPEL HOME®, la nueva propuesta de colores para el hogar de pinturas HempelAutor:

3 agosto, 2013

Invita al usuario a elegir sobre el color ideal para su hogar, creando estilosos ambientes. La colección está compuesta por dos gamas: “Esenciales”,  colores de tendencia, y “Naturales”, colores clásicos que funcionan como “fondo de armario”, permitiendo infinitas combinaciones. PINTURAS HEMPEL, empresa destacada en la fabricación y venta de recubrimientos y pinturas  dentro del  mercado Decoración …

Religión, "una asignatura apasionante": los obispos lanzan un vídeo dirigido a los jóvenesAutor:

5 abril, 2013

E.P. Esta acción forma parte de una campaña dirigida para que los jóvenes redescubran la materia de Religión Según el vídeo, la materia puede dar las claves para evitar crisis como la actual. No está interpretado por actores, sino por un profesor y una quincena de alumnos. La Conferencia Episcopal Española (CEE) ha lanzado un vídeo titulado ‘Una asignatura apasionante’ en el que se muestra a un profesor de religión y moral católica durante el primer día de clase y a sus alumnos, que pasan de mostrarse indiferentes a prestar atención a lo que se les explica. Según indica la CEE, esta acción forma parte de una campaña dirigida especialmente a los jóvenes para que descubran que la materia de Religión es “una asignatura apasionante”, tal y como dice el maestro del vídeo, que añade que es una materia que puede dar las claves para evitar crisis como la actual. El vídeo, que se puede ver en la página ‘ www.unaasignaturaapasionante.com ‘, en la web de la CEE, en Facebook y Twitter, donde se promocionará con el hashtag # apuntateareli , forma parte de una campaña de comunicación coordinada por la Comisión Episcopal de Enseñanza y Catequesis, la Dirección General de Publicaciones y la Oficina de Información, cuya realización técnica ha corrido a cargo de la productora ‘Dos cincuenta y nueve Films’. La historia, de 4 minutos, muestra la asignatura de Religión como “imprescindible para lograr una formación integral del alumno”, según apunta la CEE. El profesor comienza diciendo que él “no cambiaría” lo que hace “por nada”. “Imagino que estaréis aquí por diversas razones, unos movidos por vuestros padres, otros porque teníais el libro de vuestro hermano”, les interpela. Y les va haciendo comprender la importancia de la asignatura para interpretar adecuadamente realidades como la música, la pintura, la arquitectura e incluso para los economistas, empresarios y políticos. “¿De verdad queréis tener las claves para evitar crisis como la que estamos viviendo?. Será aquí donde aprenderéis cuál es la mejor inversión que podéis realizar y de la cual dependen todas las demás, porque lo que determina el futuro de un país no son las personas, sino dónde ponen el corazón esas personas”, asegura. Y concluye: “Yo os prometo una asignatura apasionante”. Los personajes que intervienen no son actores sino que son realmente un profesor y una quincena de alumnos que cursan religión católica en colegios de Madrid, donde se han rodado las imágenes. Todos ellos han colaborado gratuita y desinteresadamente con la campaña. Dos de cada tres alumnos cursan religión En la actualidad, dos de cada tres alumnos eligen cursar voluntariamente religión católica. En este sentido, y a propósito de las estadísticas que se hacen públicas todos los años, los obispos de la Comisión Episcopal de Enseñanza y Catequesis han enviado recientemente a toda la comunidad católica una nota para que se sienta “especialmente llamada a seguir con atención e interés todo cuanto se refiere a la formación cristiana de los niños y jóvenes en los centros educativos”. Asimismo, pedían a los responsables de los centros que “garanticen el ejercicio -ctivo de este derecho” de los padres, recogido en el artículo 27.3 de la Constitución Española. Según indicaban, además de la catequesis, que tiene su propio ámbito, la clase de religión es necesaria para el logro de una formación completa del alumno, puesto que “la formación religiosa escolar tiene la peculiar condición de ayudar a los alumnos a alcanzar una formación cristiana en relación y diálogo con los conocimientos y la cultura que la escuela transmite”.

El Louvre dedica una exposición a reparar la "negligencia" de Francia con la cultura alemanaAutor:

3 abril, 2013

ÁNXEL GROVE La muestra “De l’Allemagne”, con 200 obras, refrenda la armonía política actual entre Francia y sus “amigos” alemanes. Es un recorrido artístico desde 1800 que se detiene en la II Guerra Mundial y quiere mostrar “la historia, la naturaleza y la humanidad” del pensamiento germano. Pertence a los actos del 50º aniversario de la reconciliación, la -méride que ha limado asperezas entre Merkel y Hollande. Antes de la firma política de la reconciliación entre Alemania y Francia , sellada en 1963, hace ahora medio siglo, el entonces presidente francés C harles De Gaulle preparó el terrreno recorriendo durante una semana el territorio alemán en una gira de buena voluntad cuando las heridas de la II Guerra Mundial aún supuraban. La culminación de la tournée del avispado general fue un discurso ante jóvenes alemanes para hacerles llegar el mensaje de que ambos países debían hacer borrón y cuenta nueva y entenderse . Ahora, cuando las repúblicas más poderosas de Europa continental celebran el 50º aniversario del Tratado del Eliseo que selló formalmente la reconciliación, son los alemanes quienes explican en París “la historia, la naturaleza y la humanidad” del pensamiento germánico. Lo hacen a través de una magna exposición en el museo más importante del mundo, el Louvre , que acaba de inaugurar De l’Allemagne, 1800-1939. De Friedrich à Beckmann ( Sobre Alemania, 1800-1939. Desde Friedrich a Beckmann ), con 200 obras de arte que se exhibirán en la pinacoteca de la capital francesa hasta el 24 de junio. “Como si estuviera muy lejos de nosotros” No hay ocultación del carácter de propanganda política de la muestra y su afán estratégico. “En Francia, hemos tenido siempre cierta negligencia con el arte alemán, como si estuviera muy lejos de nosotros, como si no lo entendiéramos muy bien “, ha declarado Henri Loyrette, director saliente del Louvre y principal impulsor de la iniciativa, incluida en los actos de los gobiernos de ambos países para celebrar el llamado año franco-alemán , cuya escena cumbre fue escenificada en 2012 con el cómplice beso entre el presidente de Francia, François Hollande , y la canciller alemana, Angela Merkel , más cercanos que nunca, pese a sus teóricas militancias enfrentradas, en momentos de incertidumbre y descontento social. De l’Allemagne, 1800-1939 , calificada como un “evento extraordinario” para “entender mejor a nuestros amigos alemanes”, según admitió en la inauguración el j- del gobierno francés Jean-Marc Ayrault, quizá con plena conciencia  de que su afirmación implica que franceses y alemanes no se entienden del todo , es un recorrido didáctico no por el arte alemán, sino también por los valores de su kultur . Significativamente, el título de la muestra varía en inglés, De l’Allemagne, 1800-1939. German Thought and Painting, from Friedrich to Beckmann , con el añadido del lema Alemania a través de su pensamiento y pintura . Desde el XIX hasta el “arte degenerado” Con préstamos de casi todos los museos nacionales alemanes y de otros de Rusia y los EE UU, el proyecto del Louvre recorre las corrientes filosóficas que nacieron o se ampliaron en Alemania desde comienzos del siglo XIX y hasta la II Guerra Mundial . Repasa, por tanto, el romanticismo , la nueva objetividad , el expresionismo y todas las formas del arte que los alemanes nazis consideraron degenerado y condenaron como obra de “judios y bolcheviques” contraria a los dictados raciales de la superioridad de los artistas nacionales de genealogía limpia y temática heroica . Como fondo filosófico para contextualizar las obras, la muestra concede presencia notable a las obras del escritor nacional Johann Wolfgang von Goethe y el filósofo Friedrich Nietzsche . El recorrido por las salas del Louvre se inicia, precisamente, con Goethe en la campiña romana , pintado en 1787 por Tischbein , uno de los pocos retratos a los que el escritor dió sus parabienes por la idealización romántica de la composición, con un educado paisaje italiano en el que Goethe descansa vestido con una túnica blanca que remite, de manera bastante forzada, a los ideales helénicos del romanticismo . El cierre de la muestra es la proyección de la película Metrópolis , la distopia futurista sobre los peligros de una sociedad automatizada que realizó en 1927 Fritz Lang . Inspirados por la espiritulidad cristiana Entre uno y otro extremos, De l’Allemagne se estructura en tres secciones. Apollinien et dionysiaque ( Apolíneo y dionisíaco ) agrupa las primeras manifestaciones románticas, entre ellas el movimiento de los pintores Nazarenos , inspirados por la espirirulidad primaria del arte cristiano; el deutschrömer , grupo que tomaba r-rencias del Renacimiento, y los grandes maestros de los albores románticos, entre ellos  Max Beckmann . En Le paysage comme histoire de Caspar David Friedrich à George Grosz ( El paisaje como historia, de Caspar David Friedrich a George Grosz ) se mostrará como la teoría morfológica idealista de Goethe y sus escritos teóricos sobre el paisaje influyeron en una nueva generación de artistas renovadores como  Paul Klee y Otto Dix , que trabajaron para contrarrestar los dictados más rigurosos del romanticismo y lograron descomponerlo en paisajes de color o caricaturas. Una gran sala de esta sección  estará dedicada al gran padre fundador del idealismo romanticista alemán, Caspar David Friedrich . Cultura y barbarie La última parte, Ecce Homo. Humain/Inhumain ( Ecce Homo. Humano/Inhumano ) abarca la gran eclosión artística alemana derivada de la tragedia de la I Guerra Mundial , la revolución de 1919 que conllevó la transición de la monarquía a la república y el progresivo ascendente del nazismo. La sección, que se abre con Eisenwalzwerk , el impresionante fresco de Aldoph Menzel que, con su retrato de la explosiva movilidad y el generoso esfuerzo de los obreros de una fundición, presagiaba una era de progreso, hace balance entre las dos fuerzas motrices de la sociedad alemana en esta época: la cultura y la barbarie. El sufrimiento humano, la persona perdida en la masa, las emociones extremas y la maldad aceptada fueron temas habituales entre los artistas que como George Grosz o Dix serían condenados en 1937 por los nazis, atacados en público y estigmatizados para desempeñar tareas de docencia, exponer o comerciar con su arte.

El cuadro más copiado del mundo se vende en Londres por un millón de eurosAutor:

20 marzo, 2013

– Es ‘La chica china’, obra del artista siberiano Vladimir Tretchikoff. Gracias al cine y a la música se ha convertido en un icono popular. Su nuevo propietario es un millonario británico. Chinese Girl (La chica china) del artista siberiano Vladimir Tretchikoff , considerado el cuadro más reproducido de la historia, se vendió en Londres por 982.050 libras (1,14 millones de euros) en una subasta en Bonhams . La pieza, adquirida por un millonario británico, fue la estrella de la subasta, dedicada al arte sudafricano, país en el que Tretchikoff (1913-2006) desarrolló la mayoría de su carrera desde finales de los años cuarenta. Pese a que partía con un precio de salida elevado pues Bonhams estimaba su máximo en 500.000 libras (584.000 euros), el interés de los compradores hizo que la pintura, que muestra el retrato de una joven oriental de piel verde, casi duplicara su precio. Pintada en 1950, Chinese Girl, conocida popularmente como La dama verde , se ha convertido en un icono de la cultura popular reproducido en camisetas, tazas y carteles, y fue incluida como atrezo en la película de Alfred Hitchcock Frenesí y en vídeos musicales de Mike Jagger y David Bowie , entre otros. La modelo fue Monika Sing-Lee, que habitualmente colaboraba con Tretchikoff desde que la descubriera mientras trabajaba en la lavandería de su tío en Ciudad del Cabo, cuando tenía 17 años. El artista imaginó a Sing-Lee con la piel verde y un vistoso collar dorado que contrasta con su melena negra y los intensos labios rojos, que han sido adquiridos en Londres por el multimillonario Laurence Graff, residente en Suiza y propietario de una empresa de diamantes. Graff exhibirá la pintura al público en el hotel que posee cerca de la ciudad sudafricana de Stellenbosch, junto al resto de su amplia colección artística.

"Debe haber un Cielo", antología de Benny Andrews, pionero de la pintura racial en los EE UUAutor:

18 marzo, 2013

ÁNXEL GROVE Hijo de recogedores de algodón en el sur segregacionista del país, Andrews fue el primer pintor negro en desarrollar temas de injusticia social y racismo. Murió en 2006, a los 75 años, tras una vida de compromiso en muchos frentes, entre ellos el boicot a los museos que mostraban una versión idealizada de los negros. Exponen en Nueva York una colección de óleos y collages expresionistas de un artista que enseñó pintura en las cárceles y a niños víctimas del Katrina. Cuando el todopoderoso Metropolitan Museum of Art (MET) de Nueva York organizó en 1969 la exposición Harlem on My Mind: Cultural Capital of Black America, 1900-1968 ( Harlem en mi mente: la capital cultural de los EE UU, 1900-1968 ), que intentaba aprovechar el momento emergente del black power , el pintor Benny Andrews , afroamericano sin género de duda —hijo de cosechadores de algodón de una granja de Georgia, uno de los santuarios s del racismo y el segregacionismo—, fundó un colectivo de artitas para proponer el boicot activo a la muestra de la prestigiosa pinacoteca. Estaba montada, decían, con la versión idealizada de los negros y en su desarrollo no había participado ninguna persona de raza negra , sólo expertos y académicos blancos. La organización montada por Andrews, la Black Emergency Cultural Coalition (Coalición Cultural Negra de Emergencia), no se limitó a la protesta formal y la recogida de firmas al uso. En un ejemplo del carácter combativo pero práctico del artista, promovieron una exposición alternativa en otro de los museos señeros de la ciudad, el Whitney , y consiguieron incluso que 15 de los creadores presentes en la colectiva del MET apoyaran la iniciativa. Boicot activo Pero hubo más: disconforme con las interferencias de los responsables del Whitney en el diseño de la muestra, Andrews proclamó un boicot activo contra el museo y organizó en 1971 una colectiva de cincuenta pintores y escultores negros en una decena de galerías independientes de Nueva York. Dos años después él mismo fue el comisario de otra exposición diseñada y protagonizada por negros, Blacks USA: 1973 . Así era Benny Andrews, directo y sin complacencias, pragmático y radical. Cuando murió en 2006 , a los 75 años, las necrológicas hablaron de un artista, un docente y una persona ejemplar. Sus cuadros y collages están presentes en una treintena de museos de los EEUU, entre ellos en el MET contra el que combatió, y los historiadores del arte lo colocan entre los más personales expresionistas estadounidenses del siglo XX. Más de treinta obras de “collage crudo” There Must be A Heaven ( Debe haber un Cielo ), una exposición de más de treinta obras de Andrews pintadas entre 1964 y 1965, trae de nuevo a la actualiadad a este incansable artista militante. La muestra está en cartel en la Galería Michael Rosenfeld entre el 19 de marzo y el 18 de mayo. Son obras que mantienen el estilo de ” rough collage ” (collage crudo) de Andrews, que nunca quiso limitarse al óleo porque lo consideraba “demasiado sofísticado”. Solía explicar: “En el sitio del que vengo las cosas son rudas y ásperas . Tenemos manos grandes. El óleo es demasiado académico para nosotros”. “Pintor del pueblo” Este “pintor del pueblo”, como gustaba de considerarse, nació en la granja donde trabajaban sus padres como recolectores, estudió en una escuela primaria segregada donde los alumnos negros recibían clases en una cabina semidestruida y fue el primero de su familia en terminar el bachillerato. Tras el servicio militar —estuvo destinado en Corea durante la guerra — logró estudiar Arte gracias a los benficios de la G.I. Bill de 1944 , la ley que daba acceso a préstamos a los soldados desmovilizados. Empezó a pintar a principios de los años sesenta, pero al principio su obra era ninguneada por la crítica, que le consideraba un artista outsider o folklorista. Tradición oral El definitivo despegue y consideración  de de Andrews se produjo en 1968, cuando participó con sus cuadros de lirismo surreal y mensaje latente en la colectiva de 30 autores New Voices: 15 New York Artists ( Nuevas Voces: 15 artistas de Nueva York ), la primera exposición importante de pintores negros celebrada en los EE UU. Desde entonces se dedicó a pintar escenas que consideraba autobiográficas, basadas en la tradición oral de la que había participado en sus años en la granja: opresión, injusticia, falta de derechos y menospercio son temas comunes y rec urrentes. Pese a que nunca dejó de pintar, no olvidó el activismo. Fue el impulsor de talleres de pintura en cárceles, organizó e impartió cursos de arte para niños que fueron víctimas de las inundaciones provocadas por el huracán Katrina en 2005 y, al saberse condenado a muerte por cun cáncer, legó más de 300 cuadros a una fundación para regalarlos a instituciones educativas y sociales. ¿De dónde sacaba tanta energía e ilusión? Él mismo respondió en una entrevista: “Creo que mis pinturas explican mi secreto, hay que estar un poco loco para vivir en este mundo”.

"Debe haber un Cielo", antología de Benny Andrews, pionero de la pintura racial en los EE UUAutor:

18 marzo, 2013

ÁNXEL GROVE Hijo de recogedores de algodón en el sur segregacionista del país, Andrews fue el primer pintor negro en desarrollar temas de injusticia social y racismo. Murió en 2006, a los 75 años, tras una vida de compromiso en muchos frentes, entre ellos el boicot a los museos que mostraban una versión idealizada de los negros. Exponen en Nueva York una colección de óleos y collages expresionistas de un artista que enseñó pintura en las cárceles y a niños víctimas del Katrina. Cuando el todopoderoso Metropolitan Museum of Art (MET) de Nueva York organizó en 1969 la exposición Harlem on My Mind: Cultural Capital of Black America, 1900-1968 ( Harlem en mi mente: la capital cultural de los EE UU, 1900-1968 ), que intentaba aprovechar el momento emergente del black power , el pintor Benny Andrews , afroamericano sin género de duda —hijo de cosechadores de algodón de una granja de Georgia, uno de los santuarios s del racismo y el segregacionismo—, fundó un colectivo de artitas para proponer el boicot activo a la muestra de la prestigiosa pinacoteca. Estaba montada, decían, con la versión idealizada de los negros y en su desarrollo no había participado ninguna persona de raza negra , sólo expertos y académicos blancos. La organización montada por Andrews, la Black Emergency Cultural Coalition (Coalición Cultural Negra de Emergencia), no se limitó a la protesta formal y la recogida de firmas al uso. En un ejemplo del carácter combativo pero práctico del artista, promovieron una exposición alternativa en otro de los museos señeros de la ciudad, el Whitney , y consiguieron incluso que 15 de los creadores presentes en la colectiva del MET apoyaran la iniciativa. Boicot activo Pero hubo más: disconforme con las interferencias de los responsables del Whitney en el diseño de la muestra, Andrews proclamó un boicot activo contra el museo y organizó en 1971 una colectiva de cincuenta pintores y escultores negros en una decena de galerías independientes de Nueva York. Dos años después él mismo fue el comisario de otra exposición diseñada y protagonizada por negros, Blacks USA: 1973 . Así era Benny Andrews, directo y sin complacencias, pragmático y radical. Cuando murió en 2006 , a los 75 años, las necrológicas hablaron de un artista, un docente y una persona ejemplar. Sus cuadros y collages están presentes en una treintena de museos de los EEUU, entre ellos en el MET contra el que combatió, y los historiadores del arte lo colocan entre los más personales expresionistas estadounidenses del siglo XX. Más de treinta obras de “collage crudo” There Must be A Heaven ( Debe haber un Cielo ), una exposición de más de treinta obras de Andrews pintadas entre 1964 y 1965, trae de nuevo a la actualiadad a este incansable artista militante. La muestra está en cartel en la Galería Michael Rosenfeld entre el 19 de marzo y el 18 de mayo. Son obras que mantienen el estilo de ” rough collage ” (collage crudo) de Andrews, que nunca quiso limitarse al óleo porque lo consideraba “demasiado sofísticado”. Solía explicar: “En el sitio del que vengo las cosas son rudas y ásperas . Tenemos manos grandes. El óleo es demasiado académico para nosotros”. “Pintor del pueblo” Este “pintor del pueblo”, como gustaba de considerarse, nació en la granja donde trabajaban sus padres como recolectores, estudió en una escuela primaria segregada donde los alumnos negros recibían clases en una cabina semidestruida y fue el primero de su familia en terminar el bachillerato. Tras el servicio militar —estuvo destinado en Corea durante la guerra — logró estudiar Arte gracias a los benficios de la G.I. Bill de 1944 , la ley que daba acceso a préstamos a los soldados desmovilizados. Empezó a pintar a principios de los años sesenta, pero al principio su obra era ninguneada por la crítica, que le consideraba un artista outsider o folklorista. Tradición oral El definitivo despegue y consideración  de de Andrews se produjo en 1968, cuando participó con sus cuadros de lirismo surreal y mensaje latente en la colectiva de 30 autores New Voices: 15 New York Artists ( Nuevas Voces: 15 artistas de Nueva York ), la primera exposición importante de pintores negros celebrada en los EE UU. Desde entonces se dedicó a pintar escenas que consideraba autobiográficas, basadas en la tradición oral de la que había participado en sus años en la granja: opresión, injusticia, falta de derechos y menospercio son temas comunes y rec urrentes. Pese a que nunca dejó de pintar, no olvidó el activismo. Fue el impulsor de talleres de pintura en cárceles, organizó e impartió cursos de arte para niños que fueron víctimas de las inundaciones provocadas por el huracán Katrina en 2005 y, al saberse condenado a muerte por cun cáncer, legó más de 300 cuadros a una fundación para regalarlos a instituciones educativas y sociales. ¿De dónde sacaba tanta energía e ilusión? Él mismo respondió en una entrevista: “Creo que mis pinturas explican mi secreto, hay que estar un poco loco para vivir en este mundo”.

Deenesh Ghyczy, pinturas que parecen vistas a través de lentesAutor:

2 marzo, 2013

HELENA CELDRÁN Crea retratos ‘distorsionados’ que a la vez muestran al modelo en un estilo realista. El artista alemán hace fotos y vídeos de la persona y combina el material audiovisual con  cristales “que rompen la luz” y alteran la imagen original. En sus obras, que considera abstractas, deconstruye la figura humana “disolviendo las formas y entretejiéndolas con el fondo”. Deenesh Ghyczy (Diepholz-Alemania, 1970) multiplica a la persona, ofrecen una visión distorsionada y a la vez fiel del modelo, que posa en escenarios dominados por una luz blanca. Cuando se le pregunta si describiría su arte como abstracto, contesta: “Como no trato de representar el mundo como lo ven mis ojos, diría que sí. Mis pinturas parecen haberse vuelto más realistas con el tiempo, pero es una realidad en otro plano “. Una chica mira hacia el exterior de la escena, con el pelo recogido y su rostro superpuesto cuatro veces; una niña abre la misma ventana con cuatro brazos derechos , su cabeza triplicada parece perseguir la luz que se introduce en la habitación vacía. El artista retrata a quienes conoce, documenta los movimientos y las poses de amigos y seres queridos en “sesiones improvisadas” de fotos y vídeos, buscando el gesto natural que reproducirá sobre el lienzo. Para la “fragmentación” utiliza lentes que alteran la imagen, “objetos que rompen la luz, muchos de ellos hechos de cristal”. Busca sorpresas en la distorsión y hace múltiples modificaciones mientras pinta, como si girara la anilla de un caleidoscopio . De cerca los trazos de esos cambios son visibles en las obras —que suelen ser de gran formato— pero el artista considera que es un precio a pagar cuando el proceso involucra la constante variación de los reflejos: “La pintura no hace siempre lo que yo quiero y cobra vida propia”. ¿El océano o la cima de una montaña? Deconstruye la figura humana “disolviendo las formas y entretejiéndolas con el fondo”. Las varias caras de los retratados a través del cristal le sirven para reflexionar sobre la identidad, los diferentes papeles que juega una misma persona en el mundo y los diferentes conceptos que tenemos de nosotros mismos. Ghyczy alude a la distancia que establecemos con el mundo para explicar la visión poliédrica de los rostros. “Nuestra mente trata de definir quiénes somos separándonos de todo lo demás”, dice el artista. Amante de los múltiples significados de una misma imagen, el pintor elige Ksenia 8 como favorito entre sus trabajos más recientes. La escena muestra a su “musa y modelo favorita” sobre una roca junto al océano Atlántico, pero por las borrosas multiplicaciones de la superficie “también podría estar en la cima de una montaña, rodeada de nubes como en una pintura de Caspar David Friedrich “. Siguiendo con la alusión al pintor romántico alemán, el autor ve a la mujer “disolviéndose en la naturaleza”. En su espalda, representada cuatro veces, “podría haber un par de alas” , una ilusión efímera con la que Ghyczy invita a cuestionar lo que ven nuestros ojos y a ver más allá de lo que queremos ver.

Hileras de pegotes de acrílico que forman pinturas en 3DAutor:

28 febrero, 2013

HELENA CELDRÁN Chris Dorosz  solidifica las gotas de pintura en hilos sintéticos que luego alinea. Crea sus escenas a partir de fotos que encuentra en los periódicos, muchas veces protagonizadas por personajes conocidos. El artista canadiense ve el proceso similar al de la formación del ADN humano o del píxel en una imagen digital. El canadiense Chris Dorosz (Ottawa, 1972) no emplea pinceles ni utensilios adicionales, deja que las gotas de pintura tomen forma “a partir de su propia viscosidad”, que se moldeen sólo con el aire que pasa a través de ellas mientras caen. Dorosz ve el proceso similar al de la formación del ADN humano o del píxel en una imagen digital: los diminutos componentes tienen como misión formar un todo. Los hilos sintéticos exhiben filas de pegotes, uno detrás de otro como en las cuentas de un collar. Similar a la atmósfera de los cuadros de estilo puntillista , el conjunto forma una imagen que captura un instante , un movimiento y una iluminación determinada. “La pintura puede representar algo con una narrativa (…) y al mismo tiempo puede ser una pura expresión física de la pintura en sí misma, de la sustancia”, dice el artista. Trabaja en varias piezas a la vez —realizando cada paso en todas las obras al mismo tiempo— y tarda unas dos semanas en terminar la remesa. Prefiere mantener en secreto el proceso que sigue para elaborar sus obras “porque es un aspecto que parece fascinar a mucha gente” y quiere preservar el aura de misterio que ilusiona al espectador. Sin embargo, se apresura a aclarar que la técnica es “enrevesada” y precisa un trabajo manual en el que no interviene el ordenador y que lo mantiene “activo” en el estudio “usando mis manos en lugar de estar en casa sentado frente a un trozo de cristal muerto”. El salón de la casa de sus padres En una buena parte de su producción representa las figuras de personajes famosos como Angelina Jolie , Pamela Anderson o Rupert Murdoch ; otras escenas ilustran peleas callejeras o detenciones. Dorosz se inspira en la mezcla aleatoria de imágenes que le ofrecen los periódicos y encuentra en las caras conocidas una manera de “crear constraste entre lo general y lo específico”. Las imprecisas gotas de pintura le quitan carácter al personaje, pero el título que aclara la identidad del retratado hace que se llene “ese pequeño vacío”. A la hora de escoger su creación pr-rida, desecha las imágenes de la prensa y se queda con The Painted Room ( La habitación pintada ), una recreación en 3D del salón de la casa de sus padres  “hecha con pegotes de pintura acrílica colgada de monofilamentos”. Al contrario de lo que sucede en las obras más pequeñas, la instalación no tiene figuras humanas y sólo reproduce muebles y objetos a escala: “El espectador se convierte en actor de una escena cuando se mueve alrededor del trabajo, fragmentándose a sí mismo cuando los ve alguien desde el lado opuesto”.

El Caja Laboral cae ante el recital de triples del Montepaschi SienaAutor:

15 febrero, 2013

– Los vitorianos cierran con derrota la primera vuelta del Top 16 Euroliga. Tras un inicio arrollador (4 triunfos), han perdido 3 partidos seguidos. Pese al 35-37 al descanso, Montepaschi superó al Caja Laboral (85-74). El Caja Laboral cayó en su visita a la cancha de Montepaschi Siena (85-74) en el último partido de la primera vuelta del Top 16 de Euroliga , en el que se ha visto superado por los quince triples anotados por el equipo italiano. Los de Zan Tabak encajaron su tercera derrota seguida en un partido donde se vinieron abajo tras el descanso. Además de asistir impotentes al festival de triples local tiraron por la borda cualquier opción al recibir un parcial de 26-9 en nueve minutos que hizo imposible soñar con el triunfo. Montepaschi se ajustó desde el inicio al guión. Con Bobby Brown al mando y un demoledor acierto desde el perímetro logró cuatro triples en seis minutos para escaparse ante un Caja Laboral desorientado (18-12) . Las anotaciones d e Lampe, San Emeterio y Nocioni , 17 puntos entre los tres, y una postrera canasta de Causeur permitió al Caja Laboral cerrar con una leve ventaja el primer cuarto (22-23). La d-nsa de Cook sobre Brown cortó el juego italiano, que empezó a tener problemas para encarar el aro, mientras Baskonia se encontró cómodo para cargar el juego en la pintura y dominar en el marcador con pequeñas rentas con las que llegar al descanso 35-37 . Montepaschi recuperó en la reanudación el acierto desde los 6,75, endosando un parcial de 18-6 en seis minutos (53-43) , que obligó a Zan Tabak, incluso, a recurrir a una d-nsa zonal con la que tratar de cambiar la imagen de un equipo que hizo aguas por todos las costados (61-46 minuto 29). Con once puntos en contra (61-50) empezaron los baskonistas los diez minutos finales, en los que recibieron un parcial definitivo de 10-4 que disparó la renta a un contundente 71-54 en el minuto 33. Nemanja Bjelica fue el único baskonista que intentó en solitario cortar la sangría sin recibir ayudas de los compañeros que asistieron impotentes al festival triplista de un Montepaschi pleno de inspiración desde los 6,75 metros . Ficha Técnica: 85 – Montepaschi Siena (22+13+26+24): Brown (18), Janning (16), Kangur (8), Moss (9), Eze (10)-cinco inicial-, Hackett (16), Ortner, Rasic (5), Sanikidze, Ress (3). 74 – Caja Laboral (23+14+13+24): Heurtel (6), San Emeterio (9), Nocioni (10), M. Bjelica (4), Lampe (17)-cinco inicial-, Cook (3), Causeur (4), Pleiss (6), N. Bjelica (15). Árbitros: Rocha (POR), Latisevs (LET), Bissang (FRA). Señalaron técnica a Nocioni (m. 22). Eliminado N. Bjelica. Incidencias: Séptima jornada del Top 16 de Euroliga disputada en el Palaestra de Siena (Italia), ante unos 3.000 espectadores.

El exárbitro de fútbol inglés Graham Poll explica cómo se gana Mourinho a los colegiadosAutor:

15 febrero, 2013

– Escribe un artículo en el diario británico ‘Daily Mail’ en el que describe cómo era su trato antes y después de los partidos. Le invitó a un entrenamiento y le decía que era el mejor árbitro de Europa. Tras una victoria ante el Manchester United (1-0) instaló dos duchas nuevas y una televisión en el vestuario del colegiado. Al perder ante el Liverpool en la FA Cup (2-1), le dijo al colegiado que pensaba que era su amigo mientras sacudía la cabeza. El exárbitro de la Premier League, Graham Poll , advierte al Manchester United de la capacidad de José Mourinho de ganarse a los árbitros antes de los partidos con su carácter agradable y numerosos detalles que se transforman en apatía en caso de derrota. “Mourinho y Ferguson tienen algo especial, pero lo utilizan de formas diferentes. El entrenador del Real Madrid es ‘mister encantador’ con los árbitros sobre todo en las ligas domésticas donde los conoce a la perfección”, asegura en el Daily Mail . Graham Poll describe cómo fue invitado por Mourinho a un entrenamiento cuando acababa de llegar al Chelsea en 2004. “Fue una de las primeras cosas que hizo, sabía que yo era uno de los árbitros más importantes del país y ese año arbitré seis de sus partidos”. Mourinho se ganaba a los árbitros con palabras y detalles. ” Decía que era el mejor árbitro de Europa . Antes del partido siempre es agradable”, añade, pero tras el partido todo depende del resultado. “Ganaron 1-0 al Manchester United y me preguntó si estaba todo bien. Le dije que el vestuario necesitaba una mano de pintura; a las cinco semanas volví y había una televisión, artículos de baño y dos duchas nuevas”. Sin embargo, la derrota cambia su relación. “Perdieron 2-1 en la FA Cup ante el Liverpool y al terminar me miró sacudiendo la cabeza. ‘ Pensé que eras mi amigo’ , me dijo, pero opté por ignorarlo”, concluye.